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TURISTA ESPACIAL: Quando a ficção científica abraça a Ecologia – Sobre o filme “La Belle Verte” de Coline Serreau (França, 1996) #CinephiliaCompulsiva #SciFi

Turista Espacial é um sci-fi fascinante e inovador. É capaz de unir os temas já bem batidos, como a viagem intergaláctica e o contato entre inteligências de diferentes planetas, com uma crítica social arguta de nossa civilização atual, ecocida e catastrófica. É uma obra em que a ficção científica abraça a ecologia, comentando de modo sagaz os dilemas e incógnitas do Antropoceno, ainda que o tom seja mais leve do que aquele dark mood que marca obras cruciais que depois explorariam sendas semelhantes: Filhos da Esperança (Children of Men), de Alfonso Cuarón, e Expresso do Amanhã (Snowpiercer), de Bong Joon-ho.

Assim que o filme se inicia, somos lançados a uma imersão em uma sociedade estranha, onde ocorre um ritual raro, difícil de decifrar: em meio aos verdes prados acariciados pela brisa, um matriarcado hippie realiza assembléias bucólicas onde debate-se, entre outros temas, a iniciativa de mandar representantes ao planeta Terra.

Logo o espectador percebe estar no seio de um filme de ficção científica dos mais espantosos, com aliens dos mais benignos e sábios, nada nojentos e fatais como aqueles construídos pelo clássico de Ridley Scott (Alien – O Oitavo Passageiro) e depois levado adiante nas obras de James Cameron e David Fincher.

Em La Belle Verte, de Coline Serreau, esses ETs humanóides têm anciãos que chegam a viver quase 300 anos. Esta longevidade toda foi alcançada bem longe do escarcéu terrestre de carros, bombas nucleares, guerras colossais, devastação ecosistêmica e extinção em massa da diversidade biológica e cultural. Longevos são os seres sábios que souberam acordar para a importância quintessencial do Verde, símbolo de uma união holística do organismo com o meio natural.

Na assembléia, um senhor pede a palavra e relembra os tempos em que esteve em Paris, na época turbulenta das Revoluções: lembra dos burgueses querendo guilhotinar a cabeça do rei, dos proletários querendo as cabeças de burgueses na bandeja, dos imperadores genocidas que se apropriam da república como se esta fosse sua propriedade e o instrumento dócil de seu imperialismo agressivo… O caos dos assuntos humanos é pintado em meio ao idílio extraterreno, onde Napoleão Bonaparte e Robespierre despontam com a aura tenebrosa de vilões, desprovido de halos heróicos. La Belle Verte tem a comunicar um outro ideal, anti-napoleônico, contrário às dominações imperiais mas também ao domínio humano excessivo sobre a Natureza, que nos leva a despencar na húbris e no ecocídio.

coline-serreau-06O filme, que além de dirigido, foi escrito e estrelado por Coline Serreau, abre com chave cômica: o retrato dos terrestes que nos é ofertado, se não chega a ser misantrópico, é pelo menos uma bem-dada caçoada risonha pra cima dos humanos da Terra. Somos risíveis criaturas estúpidas, ainda atreladas a carros que queimam energias fósseis e vomitam poluição; ainda cindidos em assassinas rivalidades patrióticas, étnicas ou tribais; tão pouco sábios que criaram uma situação planetária tão desgraçada e instável que nenhum dos ETs de inteligência média deseja entrar em contato conosco.

Na assembléia, não há quem se manifeste como voluntário para visitar a Terra; ninguém acredita na eficácia de uma intervenção humanitária alienígena; em suma, aos olhos da imensa maioria da assembléia de extraterráqueos, os earthlings são um caso sem esperança… O que lembra uma tirinha de Calvin e Haroldo que cai como uma luva neste contexto:

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A protagonista do filme é única alien corajosa o bastante para vir nos visitar. Pousa na Terra e é subitamente fica maravilhada pelas grandes árvores de um parque de Paris, porém sente-se agredida e insultada em suas narinas pela atmosfera tóxica, mega-poluída, da megalópole francesa. O filme vai delineando suas barricadas no conflito ideológico, fincando sua fidelidade a figuras como Rachel Carson, autora de Silent Spring, que vociferou contra o DDT e os descalabros da indústria petroquímica em uma das obras fundamentais da ecologia no século XX.

A visitante do Além-do-Humano, desacostumada com aquilo que o hábito ensinou-nos que é natural, sai andando pelas calçadas de Paris, onde ela é intensamente consciente de que pisa sobre cimento que foi esparramado sobre a terra nua, o que impede o solo de ser espaço de uma florescência vegetal luxuriante. Nas calçadas, lotadas de bostas de animais que o poder público ainda não havia podido limpar através de seus lixeiros assalariados, ela não descobre muito espaço onde flores pudessem desabrochar do chão uniformizado pelo concreto. Cof, cof! – ela tosse enquanto desvia dos cagalhões dos totós de madame e viralatas de punks.

A ideia principal que impulsiona o enredo de La Belle Verte é a do planeta e seus habitantes humanos vistos a partir da perspectiva de alguém que chega provindo de uma civilização mais sábia. Mas aqui não se trata de viagem no tempo, rumo ao passado: nesta sci-fi, não há gente do futuro entrando em máquinas-do-tempo como as célebres parafernálias de Back Into The Future, a trilogia de Robert Zemeckis. Trata-se de viagem pelo espaço que conecta entes de diferentes graus de evolução da inteligência – sendo que os humanos perdem de lavada neste quesito. Somos os estúpidos do cosmos, ainda que, neste planetinha, alguns se gabem de serem os sabichões da Terra.

Enredos semelhantes impulsionam obras sci-fi como K-Pax (de Iain Softley) e Hombre Mirando A Sudoeste (de Eliseo Subiela), pois em ambos os filmes os visitantes do espaço sideral são tratados como loucos, internados em hospícios, alvos de hipnoses ou lobotomias. Em ambos se estabelece um contraste entre a sabedoria do forasteiro e a estupidez dos terráqueos, estratégia narrativa que frisa a possibilidade de criaturas mais inteligentes que nós existirem na pluralidade de mundos que constitui o Universo – para relembrar o título do livro clássico de Fontenelle.

A Bela Verde, neste caso, está experimentando pela primeira vez a poluição atmosférica, a barulheira estridentíssima e dissonante, de uma metrópolis humana no mundo dito Ocidental, civilizado, capitalista, consumista, auto-proclamado modelo supremo de como devem viver os povos. A Bela Verde é mais intensamente sensível a tudo o que os humanos tem de bizarro: com seu olhar limpo de interesses humanos, ela observa as mulheres fúteis que desfilam embonecadas pelos bairros comerciais e shopping centers, e pergunta-se, fitando os brincos espalhafatosos grudados às suas orelhas, se não seriam aqueles alguns símbolos religiosos de um culto bastante primitivo…

Uma das cenas mais significativas se dá quando ela pára diante de uma açougue e pela primeira vez depara com o espantoso espetáculo daquela “a exibição de cadáveres”. A Bela Verde, em sua ingenuidade, fica chocada por encontrar uma vitrine por detrás da qual estavam expostos partes dos corpos-sem-vida de animais recentemente sacrificados; as autoridades responsáveis pela construção e sustentação de tal sistema talvez explicariam à forasteira, do alto de suas presunções olímpicas, que aquilo que ela via no açougue era nada mais, nada menos, do que… mercadoria. “Deixemos de sentimentalismos quando se trata de incrementar nossos benefício$$$!”, poderiam dizer-lhe, ofertando-lhe um espetinho de vaca engordada à força, empanturra de antibióticos, criada em cativeiro absoluto, em meio à lotação desagradante de abatedouros que, se tivessem paredes de vidro, fariam vomitar a quase todos aqueles que hoje deleitam-se com salsichas e filés de frango…

Além da mercantilização em massa da carne animal, a Bela Verde também fica estarrecida com os carros, intermináveis, invasivos, que dominam a cidade como se fossem de fato seus imperadores, como se merecessem todos os privilégios. Onde outrora havia um pomar transbordante de frutas, ou um parque repleto de coqueiros, ou uma floresta abrigadora de miríades de diversas espécies de seres vivos, agora o que há… é um estacionamento! E este cobra preços abusivos. Em cada esquina, um posto de gasolina que vende petróleo roubado do Oriente Médio, provavelmenmte após invasão imperialista genocida justificada como “Cruzada Anti-Terrorista”.

O cogumelo atômico é a coroa na cabeça desta Sociedade Burguesa Globalizada, provando que sua estupidez, longe de ser negligenciável, é pra lá de perigosa. A extinção de espécies que o diga.

Quando nos auto-proclamamos os fodões da Criação, os filhos prediletos de Deus-Pai Todo-Poderoso, e partimos para a dominação e exploração generalizada da Natureza, produzindo escarros colossais de substâncias tóxicas e gases de efeito estufa no ambiente que sustêm a Vida em suas múltiplas formas, tornamo-nos os inimigos de nós mesmos, carrascos da mãe nutriz, aqueles que põe fogo em seu próprio lar (como sugere o mother! de Darren Aronofsky).

E assim nos tornamos os devastadores de boa parte daquilo que vive conosco. A miríade de organismos vivos que, só pelo fato de possuir a vida como propriedade comum e destino compartilhado, já mereceria ser tratado por nós como algo de mais digno do que estoque de bacon ou recheio de McNuggets e McChickens. Neste globo infestado por junk food e agrotóxicos, epidemias corporativas disparadoras de imensas crises de saúde pública, é bom lembrar: nos EUA de hoje, por exemplo, explodiram os índices de obesidade e diabetes, o que está intimamente conectado ao sistema de alimentação que eles deixaram tornar-se hegemônico.

Por essas e outras, considero Turista Espacial um filme digno de louvores e atenções, ainda que muitos espectadores possam torcer o nariz para um certo “didatismo” que transforma este filme de ficção científica em algo parecido com uma aula de ecologia. Junto com Ponto de Mutação (Mindwalk), filme baseado na obra homônima de Fritjof Capra, a obra de Coline Serreau tem muito a nos ensinar sobre como viver e conviver melhor neste planeta que a cada dia se parece mais com uma terra devastada.

A ideologia veiculada com o filme conecta-se com aquela dos teóricos do decrescimento, como Serge Latouche; com os ensinamentos de Alan Watts sobre O Que Está Errado Com Nossa Cultura; com os ensinamenos de Small Is Beautiful de Schumacher; com as obras de pensadores contemporâneos cruciais como Vandana Shina, Raj Patel, David Suzuki, Arundhati Roy, Davi Kopenawa. Que o cinema possa ser uma força de transformação social, ou mesmo de inseminação utópica, é algo óbvio para quem conhece iniciativas como a Films For Action e para quem já assistiu Dirt!, Disruption, The Age Of Stupid, The Secret of the Seven Sisters, dentre outros. Turista Espacial está aí para somar forças a esta eco-legião.

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Por Eduardo Carli de Moraes
A Casa de Vidro – http://www.acasadevidro.com

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O FILME QUE CONTA COMO FOI O EXÍLIO DE CAETANO E GIL DURANTE A DITADURA: “Canções do Exílio: A Labareda que Lambeu Tudo” (2011) – Um documentário de Geneton Moraes Neto

Canções do Exílio: A Labareda que Lambeu Tudo

Canções do Exílio: A Labareda que Lambeu Tudo (2011),
Diretor: Geneton Moraes Neto, Duração: 1h 31min
DOWNLOAD TORRENT (1.3 gb)

 

Documentário de Geneton Moraes Neto conta a saga de Caetano e Gil no exílio forçado pela ditadura militar – Por João Máximo em O Globo (07/02/2011)

Duas semanas depois da decretação do AI-5 e dois dias depois do Natal de 1968, Caetano Veloso e Gilberto Gil foram presos por oficiais do Exército. Como jamais souberam o motivo, admite-se que possa ter sido pela participação em passeatas, ou em movimentos estudantis, ou por suas nada convencionais performances em festivais, ou ainda por suas atitudes de rebeldes tropicalistas, que tanto incomodavam civis e militares. Os dois passaram por celas de vários quartéis do Rio, depois ficaram em prisão domiciliar em Salvador, e só em julho de 69, com uma advertência de três estrelas – “Só voltem quando forem autorizados” -, partiram para um exílio forçado que se estenderia por dois anos e meio, até janeiro de 1972.

Mautner e Macalé participam

Os detalhes dessa história, contados pelos dois personagens, já seriam motivo para Geneton Moraes Neto realizar “As canções do exílio – Uma labareda que lambeu tudo”, documentário em três partes de 50 minutos cada, que o Canal Brasil exibiu. Mas há pelo menos mais um motivo: Geneton inspirou-se na foto em que, aos 15 anos, aparece entrevistando Caetano para o “Diário de Pernambuco”, e a partir dela se entregou ao que considera uma guinada profissional. Tendo começado a vida como jornalista e caído na TV quase por acaso, esses anos todos ele deixou de lado o que realmente queria fazer: cinema documental.

– Este é o meu rompimento amigável com o jornalismo e a retomada da carreira de cineasta interrompida pela TV – diz Geneton, antecipando que os 150 minutos da série serão reduzidos a 120 para os cinemas.

Na produção, e também na edição do filme, ele contou com a parceria de Jorge Mansur, cujos modernos recursos tecnológicos viabilizaram uma empreitada que, na era pré-digital, seria financeiramente inviável.

Caetano e Gil – mais Jorge Mautner e Jards Macalé, que, por diversos caminhos, foram se encontrar com os amigos no exílio – contam a história cronologicamente. A detenção, o ano-novo passado atrás das grades, os tempos de prisão domiciliar, a proibição de fazer shows e gravar discos, a vinda ao Rio de um chefe de polícia de Salvador para mostrar aos superiores o absurdo da situação. Graças a isso, foi dada autorização (ou ordem) para que saíssem do país. A fim de que os dois conseguissem dinheiro para a viagem, os militares permitiram que fizessem dois shows em Salvador.

Permissões como esta, em tom de favor, fazem da história um retrato do Brasil da época, mistura surrealista de brutalidade com cordialidade. Um episódio narrado por Gil é exemplar: os mesmos homens que o prendiam sem motivo arranjaram-lhe um violão e ainda pediram que fizesse um show para os soldados do quartel. Outro oficial, generosamente, ajudou-o em sua dieta vegetariana.

– Se eu fosse antropólogo ou sociólogo, poderia escrever, partindo deste documentário, um tratado sobre a alma brasileira – diz Geneton.

Pelos depoimentos, constata-se que o exílio foi menos doloroso para os outros do que para Caetano. Gil, por exemplo, admite ter “caído na gandaia”, frequentando a noite londrina sem pensar tanto no que ficara para trás. Já para Caetano, a palavra depressão pontua algumas das passagens de sua narrativa. Mas, no homem que lembra, e não no que viveu, há lugar para humor, como suas discussões com Glauber Rocha. E palavras afetuosas, como as que dedica a Violeta Arraes (“Ainda a adoro, vou adorá-la sempre”), a mulher que abria o coração aos exilados que a procuravam em Paris.

Deprimido, Caetano chegou ao Rio para o que esperava ser um reencontro feliz: autorizaram-no a participar da festa dos 40 anos de casamento de seus pais. Logo ao desembarcar, foi preso e levado para um depoimento de seis horas, cujo objetivo era tão somente pressioná-lo a fazer uma canção enaltecendo a Transamazônica. Negativo. Só concordou com duas apresentações na TV, quando, em vez de cantar algo a alegre, pop, como supunham ele ter trazido de Londres, reviveu a triste “Adeus, batucada”.

Callado, futebol e Chico

Gil guarda detalhes de sua prisão e, mais ainda, do exílio: o apoio que o escritor Antônio Callado lhe deu no cárcere ao vê-lo de cabeça raspada; a criação de “Aquele abraço”; como “Can’t find my way home” virou sua canção de exílio; as palavras “Rivelino Revelation” pintadas nos muros de Chelsea no dia seguinte à vitória do Brasil sobre a Inglaterra em 1970 (torcer ou não pelo Brasil de Médici era a questão, resolvida pela paixão maior pelo futebol). Gil conta, ainda, como escreveu com Chico Buarque a proibida “Cálice” (ou “Cale-se”), já de volta a um país ainda sem liberdade.

Caetano fala do medo de morrer e da certeza de que matar, mesmo, os militares só queriam o Geraldo Vandré. E de como prefere não passar recibo da informação que os policiais lhe deram sobre quem eram seus “colaboradores”.

As histórias são muitas e se desenrolam depois de a atriz Lorena da Silva lembrar trechos de crônicas de Caetano para o “Pasquim” e de Paulo César Peréio dizer um texto de Geneton sobre seu projeto.

Jorge Mautner, que foi dos Estados Unidos para a Inglaterra ao encontro dos amigos, tem de tudo uma visão mais filosófica. E, mais que tudo, positiva. Acreditava e ainda acredita que o futuro está no Brasil. Dizendo-se “filho do Holocausto criado no candomblé”, não esquece o pai judeu para quem toda a cultura europeia acabou em campos de concentração. “Isso aqui é o Brasil”, bradava o velho Mautner.

Jards Macalé viajou a convite de Caetano para ajudá-lo no que seria o LP “Transa”. Vêm dele as únicas referências à relação do grupo com as drogas, já que, sabidamente, todos, menos Caetano, recorreram a elas nos tempos de exílio. Foi sob a ação de LSD que Macalé, em visita ao museu de Madame Tussaud, apaixonou-se por uma Branca de Neve de cera. Não fosse o guarda, teria matado o desejo ali mesmo: “Ainda hoje sinto saudades daquela Branca de Neve.” É dele o subtítulo de “Canções do exílio”. Ao retornar ao Rio, vindo do inverno britânico, sentiu uma forte calor entrar pela porta do avião adentro, como “uma labareda que lambeu tudo”.

Saiba mais em Gilberto Gil.com.br

 

SIGA VIAGEM:

 

EM INGLÊS:

MATÉRIA DO JORNAL THE GUARDIAN

P.S. – Como já dizia o sábio Spinoza: “Que coisa pior pode imaginar-se para um Estado que serem mandados para o exílio como indesejáveis homens honestos, só porque pensam de maneira diferente e não sabem dissimular? Haverá algo mais pernicioso, repito, do que considerar inimigos e condenar à morte homens que não praticaram outro crime ou ação criticável senão pensar livremente?” Via NADLER, Steven. Um Livro Forjado No Inferno – O Tratado escandaloso de Espinosa e o nascimento da era secular. Três Estrelas, p. 258.

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STYLE WARS (USA,1983, 69 min), um filme de Tony Silver

STYLE WARS (USA,1983, 69 min), um filme de Tony Silver.

Sagaz, inventivo e audaz, este é um documentário crucial para a compreensão das novas vertentes da arte urbana nascidas na Nova York do início dos anos 1980, quando desponta com força o movimento Hip Hop e seus 4 elementos (o MC, o DJ, o breakdance e o graffiti).

A obra de Tony Silver é um vívido retrato histórico de uma subcultura em ascensão, que se choca contra as forças caretas da sociedade, em um cenário cultural conflitivo que não deixa de evocar o The Clash ocorrido nos anos 1970 entre as primeiras bandas punk e o status quo estabelecido. Ao som de clássicos do rap nos anos 1980, como Grandmaster Flash e sua “The Message”, o doc põe o espectador no olho do furacão de uma interessante batalha cultural.

Manifestação artística subversiva e proibida que tomou conta dos metrôs de Nova York, o graffiti tem suas origens resgatadas pelo filme, em que são entrevistados vários artistas, mas também seus familiares, além de policiais, trabalhadores do transporte público, transeuntes pelo metrô.

O filme recupera as “guerras do estilo”, as polêmicas acirradas sobre estética, que sempre envolveram esta prática cultural: se, por um lado, o agente das forças de repressão do Estado é capaz de chamar aquilo de “praga”, “crime” ou coisa pior, recomendando pena de prisão para os infratores, por outro lado os grafiteiros defendem esta forma de arte como algo que lhes dá sentido e brilho à existência.

Para o grafiteiro, esta forma de arte é uma prática que constitui marca identitária de forte apelo emocional e que o coliga com outros grafiteiros, servindo como argamassa social, constituinte de laços com um sub-coletivo (donde o termo recorrente no filme: sub-cultura). Nascido dos guetos, praticado por muitos afroamericanos e latinos (mas não exclusivamente), o grafite é uma maneira de auto-afirmação e coligação com o grupo, modo de deixar sua marca na cidade e batalhar contra a invisibilidade a que são condenadas as classes despossuídas e supostamente condenadas à condição de subalternos.

Para os grafiteiros, ainda que burlando as leis para invadir na madruga as estações de trem, aquilo jamais se tratou de mero vandalismo, mas sim de afirmação de um estilo de vida alternativo, arriscado mas por isso excitante. Um estilo de vida que tem na expressão artística e na intervenção no espaço urbano os seus epicentros de valor e de sentido.

Assistindo ao doc, embarcamos numa lisérgica viagem sobre os trilhos da memória, rumo aos primórdios do hip hop estadunidense, e rememoramos a época em que começaram a correr incontáveis vagões de trem pintados de múltiplas maneiras e circulando loucamente pelas veias da megalópole.

Decorados primeiro com nomes artísticos de seus perpetradores, escritos de maneira apressada e com caracteres estilizados, de maneira muito próxima à estética do pixo, logo depois os ícones do graffiti evoluíram para o colorido exuberante de obras mais complexas, que às vezes beiram a arte abstrata ou expressionista, e que por vezes parecem pequenos tratados de sociologia sintetizados em uma imagem.

O filme mostra inclusive que, já em 1983, o mundo artístico mais “sério” já começava a ser sacudido pela ascensão do graffiti, que dos trens e dos muros começou a penetrar nas galerias, começando a ser comercializado e difundido entre um público mais yuppie e mais hipster. Este trânsito do graffiti, da clandestinidade ao canvas, da subversão à respeitabilidade, do submundo às torres de marfim da alta cultura, dos guetos aos museus, parece ser um processo infindável.

As forças caretas e conservadoras sempre insistirão que “isso não é arte”, que os que seguram o spray são criminosos e violadores da propriedade alheia, que estão apenas sujando e poluindo a cidade. Mas os cães ladram e a caravana não pára: apesar disso tudo, a subcultura hip hop não cessará de crescer e se fortalecer, rompendo todas as cercas de arame farpado inventadas para contê-la.

Apesar de seus mais de 30 anos, esta produção documental conserva seu vigor e atualidade pois continuamos habitando no cerne das mesmas “Style Wars”. Vide o caso João Dória, o prefake playboy de São Paulo, cujo mandato está sendo marcado, dentre outras medidas grotescas como a “ração humana”, pelo truculento avanço de um higienismo anti-graffiti que vem procurando deletar da maior megalópole latino-americana todo o esplendor de seu colorido grafitado.

Contra a Cidade Cinza das forças sociais Dorianas, é preciso pôr ainda mais combustível na resistência dos hiphoppers que não querem permitir que empresários palacianos e forças do Estado policial-penal calem nossa voz e acinzentem nossos muros.

As guerrilhas culturais persistem, e este documentário conserva seu potencial explosivo e sua contextualização pertinente para encararmos as polêmicas culturais e guerras-do-estilo que fazem da Cultura algo tão excitante e imprevisível. Pois a Cultura jamais será monolito – sempre fluirá, dinâmica, através dos conflitos.

* * * * *

Por Eduardo Carli de Moraes para A Casa de Vidro –www.acasadevidro.com.

Baixar o filme no fórum Making Off:https://makingoff.org/forum/index.php?showtopic=16022&hl=%22style+wars%22

Assista no YouTube:

Acesse ficha no IMDb:http://www.imdb.com/title/tt0177262/.

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O CINEMA COMO ARMA CRÍTICA: Raoul Peck reaviva os legados de Karl Marx e James Baldwin através de filmes cruciais para a decifração do mundo contemporâneo

O CINEMA COMO ARMA CRÍTICA: Raoul Peck reaviva os legados de Karl Marx e James Baldwin através de filmes cruciais para a decifração do mundo contemporâneo

Despossuídos do mundo, uni-vos! Vocês nada têm a perder senão as algemas da miséria! Tais poderiam ser bons emblemas para descrever o ímpeto que animava O Jovem Karl Marx, alvo de uma competente cinebiografia realizado pelo artista e ativista haitiano Raoul Peck.

Raoul Peck já atuou como Ministro da Cultura do seu país. Realizou recentemente alguns documentários muito relevantes, como I Am Not Your Negro, sobre a vida e obra de James Baldwin, indicado ao Oscar.

Produziu também um pungente retrato documental da situação do Haiti após o terremoto de 2010 em Assistance Mortelle (Assistência Fatal), filme que denuncia os interesses escusos por trás da ajuda humanitária internacional aos haitianos após a imensa catástrofe sísmica que reduziu grande parte da ilha a escombros.

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Em O Jovem Karl Marx, Raoul Peck inclui detalhes da vida emotiva e amorosa de Karl Marx e sua esposa, Jenny Westphalen, com quem viveu por 32 anos. É um curioso casal composto por uma aristocrata prussiana de família poderosa e aquele que estava destinado a ser reconhecido pela posteridade como um dos maiores pensadores revolucionários de todos os tempos (sobre esta relação, há também livro de Françoise Giroude, Jenny Marx ou A Mulher do Diabo (Ed. Record, 1996, 238 pgs).

Contradições análogas são vivenciadas por Friedrich Engels, filho de um rico industrial de Manchester, que se apaixona pela operária Mary Burns, ex-funcionária de Engels Pai e que, em uma cena do filme, é retratada em pleno ímpeto contestatório contra os abusos patronais e as más condições de trabalho. Eis um episódio que evoca lembranças do excelente filme de Martin Ritt, Norma Rae (1979), em que Sally Field interpreta uma audaz trabalhadora que lidera um movimento sindical e confronta a tirania patronal com inesquecível esplendor.

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O Jovem Karl Marx, apesar de não negligenciar as fofocas sentimentais e enroscos amorosos de seus protagonistas, também se interessa pela História e suas lutas entre classes, seus complôs, seu entrechoque de partidos e movimentos, sua querela imortal entre revolucionários e reacionários.

O filme pode gerar acalorados debates sobre a função do intelectual engajado e que se faz liderança vanguardista de um movimento de massas. Raoul Peck interessa-se há tempos pelo retrato dos grandes homens que arregaçam as mangas para trabalhar em prol da Transformação Histórica, os seres humanos mais entusiasmados pela ação  coletiva transformadora, como foi Patrice Lumumba, líder do movimento independentista do Congo, alvo de uma cinebiografia filmada por Peck em 2000.

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Passado entre Paris, Londres e Bruxelas, O Jovem Marx narra um pouco das efervescências da década de 1840. No começo desta, o jovem Marx escrevia reportagens relevantes – sempre ameaçadas de censura e amordaçamento – em jornais como a “Gazeta Renana” e os “Anais Franco-Prussianos”.

O filme inicia em estado de tensão máxima, com a população pobre da Renânia, em uma floresta onde coletavam madeira, sendo subitamente atacada por uma gangue de fardados. É com os despossuídos apanhando horrivelmente nas mãos da polícia prussiana que o filme decide dar início à saga de seu personagem principal.

Sobre as cenas do massacre perpetrado pelos policiais, Peck evoca trechos da reportagem de Marx, de 1842, sobre a lei sobre o roubo da lenha, um trabalho que a Boitempo Editorial acaba de publicar no Brasil sob o título Os Despossuídos (2017, 150 pgs, compre em Livraria A Casa de Vidro).

Despossuídos
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Neste livro, além da reportagem de Marx na íntegra, o público brasileiro tem acesso ao artigo introdutório de Daniel Bensaïd: “Os despossuídos: Marx, os ladrões de madeira e o direito dos pobres” (páginas 11 a 73). Juntos, constituem uma preciosa fonte de informações sobre o período de formação daquele que era, na época, um jovem de 24 anos, recém-formado em filosofia na Universidade de Jena, onde havia defendido uma tese sobre A Diferença Entre a Filosofia da Natureza de Demócrito e Epicuro (saiba mais).

No caso específico do roubo da madeira, o que interessava ao jovem jornalista e crítico político Marx não era criminalizar o povão, tacar pedras sobre a ralé de bandidos (nada mais distante dele do que o “bandido bom é bandido morto!” que ouve-se hoje em dia na boca de tantos caras-pálidas que flertam com o fascismo e o autoritarismo militar. Marx quer compreender quais os processos de pauperização que explicam o desespero de toda uma classe social, obrigada por suas circunstâncias materiais a violar a lei que proteje a propriedade privada, mas clamando um direito superior, um direito à vida, à sobrevivência. Este embate, este conflito sangrento entre o direito à propriedade e o direito à vida está no foco do jovem Marx quando este se debruça sobre o roubo da madeira e suas implicações sócio-políticas.

“A apropriação de madeira alheia”, um delito classificável como “furto”, é assim problematizada por Marx: “Para apropriar-se de madeira verde é preciso separá-la com violência de sua ligação orgânica. Assim como isso representa um atentado evidente contra a árvore, representa um atentado evidente contra o proprietário da árvore. No caso da madeira caída no chão, em contraposição, nada é tirado da propriedade. Tira-se da propriedade o que já foi tirado dela. O ladrão de madeira profere uma sentença autocrática contra a propriedade. O coletor de madeira seca apenas executa uma sentença já proferida pela própria natureza da propriedade, pois o que se possui é a árvore, mas a árvore já não possui aqueles galhos. Desse modo, ajuntar madeira seca do chão e roubar madeira são coisas essencialmente diferentes.” (MARX, apud Bensaïd, pg. 18)

A noção de “proprietário da árvore”, que Marx utiliza sem ironia, descrevendo uma situação concreta no contexto jurídico da época, aponta para a transformação da Natureza em mercadoria, a mercantilização geral da Phýsis – ainda que Marx não aprofunde na questão da hecatombe sócio-ambiental daí decorrente e hoje tão denunciada, globalmente, pelas incipientes correntes ecossocialistas. O capitalismo não só transforma o mundo natural em commodity, ele no processo produz uma montanha insustentável de trash – lixo, poluição e crises cíclicas devastadoras. Sob as relações de produção capitalistas, as árvores são mercadorias, as florestas têm um preço, e o direito sagrado à propriedade privada inclui o direito de alguns de possuírem árvores e florestas, e de mandarem os soldados e os policiais trucidarem todos aqueles que roubarem madeira de seu “legítimo dono”.

Marx, ainda bem próximo de Proudhon, denuncia a propriedade privada de capital e meios de produção como perversidade íniqua, destinada a sofrer com os movimentos contestatórios e revolucionários dos despossuídos. Não há explícitas injustiças sociais que se manifestam nos direitos à propriedade privada quando imensas frações da população da sociedade padecem com a falta do necessário? O banquete de luxos e supérfluos dos ricos não é um acinte diante da multicor e multifacetada penúria dos espoliados? Uma sociedade assim tão desigual quanto a capitalista não acaba sendo a coveira de si mesma, cavando sua própria cova ao oprimir a massa proletária e camponesa com um jugo que muitas vezes beira o insuportável?

Os artigos sobre o furto da madeira são, portanto, de acordo com Bensaïd, “a primeira incursão de Marx nas controvérsias, que naquele momento chegavam ao auge, sobre a definição e os limites do direito de propriedade. Se O que É a Propriedade?, livro de Proudhon de 1940, é uma das contribuições polêmicas mais famosas, Histoire du droit de propriété foncière en Occident, de Édouard Laboulaye, foi coroado pela Academia Francesa em 1838.”

No filme de Raoul Peck, vemos a camaradagem que nasce entre Marx e Engels – este último, que já havia publicado a obra A Situação da Classe Operária na Inglaterra que tanto impressionou o jovem Marx. O filme mostra os debates intensos que envolvem os epígonos do marxismo com figuras políticas cruciais da época, como o anarquista francês Pierre-Joseph Proudhon (1809-1865), famoso pela tese a propriedade é um roubo, autor criticado pela dupla Marx e Engels na obra “Miséria da Filosofia”.

Acossado pela censura, pelo exílio e pela repressão, o jovem Marx é obrigado a ser uma figura um tanto nômade, mas que não deixa a um só instante de estudar com esmero as obras com as quais terá tão fecundo debate polêmico: os grandes economistas ingleses (Ricardo, Adam Smith, Bentham etc.) e os grandes filósofos da época (como Ludwig Feuerbach, como Max Stirner, como os “hegelianos de esquerda”).

Sem excesso de intelectualismo, a obra de Raoul Peck abre janelas para que o público possa compreender as circunstâncias históricas e o contexto biográfico em que nasceram a Liga dos Justos, depois rebatizada como Liga Comunista. Revela um Marx combativo, amante de um debate fervoroso (como ocorre em seu conflito com Weitling), mas também uma figura que às vezes soa como bon vivant, apesar dos perrengues financeiros que passe.

Já Engels, descrito mais como um dândi, uma ovelha negra de sua família de industriais, um riquinho desgarrado de sua classe de origem, é relegado pelo filme a um certo segundo plano, mas tem sua posição de “mecenas” de Marx frisada, ainda que sua própria vida e obra não seja o foco do filme.

Muito além do interesse que possui para os estudiosos do Marxismo nas múltiplas áreas em que ele marcou a jornada intelectual e emancipatória da humanidade – Filosofia, Economia, História, Direito, Ciência Política etc. -, O Jovem Marx de Raoul Peck serve também como uma espécie de Prolegômenos Para As Revoluções de 1848.

Assistindo-o, podemos ver emergir no palco da História aquele “espectro que assombra a Europa” e que todos os poderes tradicionais, em uma Santa Aliança, unem-se para conjurar: o Comunismo. Estamos diante de Marx e Engels enquanto pensadores-agentes que se colocam no palco da História não apenas como intérpretes do mundo, mas como seus transformadores.

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Aos 100 anos da Revolução Bolchevique, é mais do que oportuna a chegada deste belo filme aos cinemas, reavivando nossa compreensão sobre uma das primeiras encarnações do Comunismo histórico, nos turbulentos anos de 1848, marco-zero também deste documento histórico crucial, dotado ainda de intenso poder de contágio e de imorredoura atualidade, que é o Manifesto Comunista, considerado por muitos como o segundo livro mais lido da História da Humanidade, só perdendo para a Bíblia.

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Mas, como Marx brinca em uma tirinha de Charb, publicada em Marx: Manual de Instruções de Bensaïd, ao menos o Velho Karl poderia virar-se para Jesus de Nazaré, com sua contumaz ironia, e dizer: “Tá, mas meu livro fui eu que escrevi!”

Uma sessão dupla com as duas obras mais recentes de Raoul Peck – O Jovem Marx e Não Sou Seu Negro – certamente revelará um dos cineastas mais relevantes hoje em atividade, capaz de contribuições imensas à formação de nosso senso crítico e de nossa capacidade de mobilização coletiva para a transformação social.

Reavivando os legados de Karl Marx e James Baldwin, Raoul Peck está recolocando no foco de nossas atenções, na ágora global, duas figuras cruciais para a decifração do mundo contemporâneo e para as urgentes transformações sociais que não podem vir senão das insurreições dos despossuídos contra as milenares opressões e espoliações de que prosseguem alvos. O Jovem Marx vem para fazer companhia a Suffragette (de Sarah Gavron) e Ágora (de Alejandro Amenábar) e  como uma das mais interessantes incursões cinematográficas recentes no fecundo terreno da biografia histórica de grandes transformadores sociais e mentes críticas.

Eduardo Carli de Moraes
Goiânia, Outubro de 2017

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VEJA TAMBÉM:

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“I AM NOT YOUR NEGRO”

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“ASSISTANCE MORTELLE”

Um filme de Raoul Peck sobre o Haiti após o terremoto de 2010. Sinopse IMDB: “Haitian born filmmaker Raoul Peck takes us on a 2-year journey inside the challenging, contradictory and colossal rebuilding efforts in post-earthquake Haiti.” Saiba mais em Arte.tv.



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A Sociedade do Espetáculo – Guy Debord (1973)

A Sociedade do Espetáculo – Guy Debord [1973]
(legendado em português)

“Filme feito a partir de excertos do livro homônimo de 1967, de Guy Debord (1931 – 1994), um dos pensadores da Internacional Situacionista. Contém as idéias que nortearam as revoltas de maio de 1968 na França. O livro é uma obra de grande influência entre os críticos da contemporaneidade, como Jean Baudrillard. O filme, dirigido por Debord e lançado em 73, é uma versão audiovisual do livro, onde, ao expor seus conceitos, ele utiliza um recorte de imagens incessante e, a primeiro momento, aleatório, mas que dá suporte à teoria apresentada no livro.”

Via Filosofia em Vídeo

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Cito Vinícius Siqueira na Obvious:

Guy Debord foi um filósofo, cineasta e crítico cultural francês. Dentro de toda sua participação política, principalmente nos eventos de Maio de 68, esteve envolvido com a fundação e manutenção da Internacional Situacionista – grupo dedicado à crítica daquilo que ele chamou de sociedade do espetáculo, uma sociedade mediada por imagens, onde a lógica do intercâmbio mercantil atingiu toda a vida cotidiana.

O livro “A Sociedade Do Espetáculo” pode ser descrito como uma crítica feroz à sociedade contemporânea, isto é, à sociedade do consumo, à cultura da imagem e à invasão da economia em todas as esferas da vida. É sua obra principal e fundadora de uma corrente de crítica renovada que não estava satisfeita com o capitalismo ocidental e nem com o socialismo bolchevique russo.

Foi lançado em 67 e causou um imenso estardalhaço, ficando popular entre a esquerda alternativa, artistas e estudantes. Vale lembrar que o Maio de 68 teve um enorme suporte universitário.

Neste livro, ele apresenta seu conceito de espetáculo como uma “relação de pessoas mediada por imagens”. Imagens seriam representações imediatas que adquirem autonomia e fazem das pessoas meros espectadores contemplativos. Um exemplo é a moral religiosa, que se coloca como natural, divina, absoluta, inquestionável e se impõe de maneira que não pode ser nem percebida como uma construção social – só pode ser contemplada e obedecida.

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“O que queremos, de fato, é que as ideias voltem a ser perigosas” dizia Guy Debord em meio às revoltas estudantis e à greve geral na França de 68.

O que começou como um protesto em Nanterre tornou-se um contágio em todo o território francês e deu impulso para revoltas nos países vizinhos, como Alemanha, Tchecoslováquia, Itália e Polônia. No dia 20 de Maio já não havia como segurar o caos organizado em que o Estado francês se tornara: não havia metrô, ônibus, telefone, fábricas, nada estava funcionando. Greve geral, literalmente.

O que mais chama a atenção nesses eventos é sua presença e desenvolvimento majoritariamente popular, pois não foi uma ação política tomada por grupos pequenos com algum poder de condução de massas, foi uma ação popular de estudantes que alastrou para trabalhadores e tendeu a modificar uma França conservadora que ainda não havia se recuperado dos traumas da Segunda Grande Guerra.

Na França comandada pelo general Charles De Gaulle, o lugar das mulheres era em casa, o lugar dos estudantes era dentro das universidades, que os preparavam para um mundo de moral rígida e trabalho dignificador. A homossexualidade era considerada doença e a liberdade democrática era, ainda, uma vontade reprimida. Tudo mudou depois daquele ano.

Se os anos 60 foram a base para toda a forma de contestação cultural e base para a exigência de visibilidade para grupos minoritários, os trabalhos de Guy Debord foram o recheio teórico desta época. Sua obra ainda é tema de debates e reflexões anarquistas e marxistas, além de ter uma importância destacada na teoria da comunicação.

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A Sociedade Do Espetáculo, O Filme

O filme, dirigido por Debord e lançado em 73, é uma versão audiovisual do livro, onde, ao expor seus conceitos, ele utiliza um recorte de imagens incessante e, a primeiro momento, aleatório, mas que dá suporte à teoria apresentada no livro. É, na verdade, um anti-filme. Uma forma de desvio: a utilização da cultura para fins subversivos. Nele, a imagem não obedece ao narrador, não o segue.

É importante dizer que a França da década de 60 e 70 respirava o cinema – os cineclubes, antros de estudantes e amantes da arte, sempre iniciavam bons debates sobre os filmes apresentados. Utilizar o cinema como meio para sua obra não era, então, uma questão de “facilitar” a assimilação do conteúdo do livro (coisa que, realmente, não acontece), mas de utilizar de uma nova forma de arte. De explorar o visual. No fundo, parte do ápice de um cinema político.

É uma maneira completamente diferente de se fazer cinema: não-acadêmica e não-comercial. Não se trata de uma tentativa de vender uma história, mas de apresentar uma crítica à sociedade em que vivemos.

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Leia também: Naranjas de Hiroshima

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Voilà:

BAIXAR “A SOCIEDADE DO ESPETÁCULO” EM EBOOK

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“AS SUFRAGISTAS”, um filme de Sarah Gavron -Inclui link para baixar

Sufra

SUFFRAGETTE – AS SUFRAGISTAS (2015)

Diretora: Sarah Gavron.
Com: Carey Mulligan, Helena Bonham Carter, Meryl Streep.
País: Inglaterra. Tempo: 106 min.

ASSISTA O FILME COMPLETO COM LEGENDAS EM PORTUGUÊS:

DOWNLOAD TORRENT

Sufragistas 2

“Que duas democracias supostamente gloriosas do mundo ocidental mais avançado como o Reino Unido e a França não deram o direito de voto às mulheres, nem que fossem eleitas, até 1928 e 1944, respectivamente, deveria nos enraivecer a tal ponto que o melhor resultado seria, sem dúvida, um verdadeiro exame de consciência. E não sobre o passado, mas sobre o presente. Metade da humanidade, pelo menos, ficava à margem das decisões, e As Sufragistas, filme britânico composto principalmente por mulheres, cospe na nossa cara essa vergonha. Com raiva, com delicadeza, com elegância, com justiça, com verdade, com paixão. Porque ainda resta muito a ser feito.” JAVIER OCAÑA, EL PAÍS

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“Estamos tão acostumados ao machismo, uma ideologia que educa homens e mulheres, que normalmente não somos capazes de apreciar em toda a sua enormidade o colossal abuso, a indecente e desumana injustiça do sexismo. Até um século atrás, metade da humanidade vivia submetida à escravidão mais total e aberrante; as mulheres careciam por completo de direitos, não eram proprietárias de si mesmas, de suas posses, de seus destinos. Sobre os escravos negros, felizmente foram feitos vários filmes, séries de TV e novelas. Sobre a imensa escravidão feminina não se fez praticamente nada. Com a agravante de que continua existindo em grande parte do mundo.

Nos antípodas do panfleto e da estridência, este filme contido, mas muito emocionante, nos mostra os abismos de onde nós, mulheres, viemos. É verdade que, contemplando nossa história recente com olhos de águia e de um lugar mais alto, a evolução foi tremenda. Em apenas 100 anos, cinco ou seis gerações de mulheres e de homens mudamos o mundo. Mas não é suficiente. Sim, eu sei, agora impera a acomodatícia e banal ideia de que já não existe nenhuma discriminação, que as mulheres e os homens estão completamente equiparados, e que falar destes assuntos é absurdo e antigo. Nada mais falso; as estruturas do sexismo sobrevivem inclusive no Ocidente, e, aliás, o homem também paga um preço, embora frequentemente não seja capaz de compreender isso. Mas é que, além do mais, metade do mundo continua sendo um inferno para a mulher.

Não é só que elas não possam votar na Arábia Saudita, por exemplo, como aponta ironicamente uma cartela ao final do As Sufragistas; é que as mulheres e as meninas continuam sendo sequestradas, estupradas, prostituídas, mutiladas sexualmente, encerradas em casa, lapidadas, vendidas como mercadoria, forçadas ao matrimônio, espancadas até a morte, queimadas com ácido; é que há 60 milhões de meninas não escolarizadas no mundo, e os fanáticos islâmicos queimam as escolas femininas e matam as garotas que querem estudar. É que centenas de milhões de mulheres vivem uma vida de constante abuso e tortura, e as Nações Unidas não parecem levar essa atrocidade muito a sério. Que a inexprimível dor da mulher nunca seja uma prioridade política internacional é uma amostra do nível de sexismo do Ocidente.

As Sufragistas, enfim, me fez não saber, porque já sabia, mas sentir no mais profundo do meu cérebro e do meu coração como é terrível esta luta. E também me permitiu recordar o heroísmo calado de tantíssimas mulheres que, ao longo dos dois últimos séculos (e apoiadas por alguns quantos homens), deram tudo, incluindo a vida, pela liberdade. Por nossa liberdade, leitora, a sua e a minha. E pela liberdade subsidiária dos homens, porque os verdugos também estão condenados a um destino miserável. A todas essas mulheres anônimas que foram insultadas e desprezadas; àquelas de quem arrebataram seus filhos, que apanharam e foram expulsas de casa; a todas as que foram encerradas em prisões ou nos manicômios ou que inclusive foram executadas, como Olimpia de Gouges na guilhotina; às indômitas lutadoras da dignidade que, em suma, conquistaram para mim o direito de votar, de estudar, de decidir e de viver, obrigada, irmãs, pioneiras, guerreiras admiráveis. Muito, muito obrigada.” – ROSA MONTEIRO, EL PAÍS

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Sufragette

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LENINE: ISTO É SÓ O COMEÇO [DOCUMENTÁRIO COMPLETO, 2013, 54 MIN]

LENINE: ISTO É SÓ O COMEÇO

[DOCUMENTÁRIO COMPLETO, 2013, 54 MIN]

Com direção e roteiro de Bruno Levinson

Com depoimentos de Marcos Suzano, Lula Queiroga, Moska, Pedro Luís, o filho João Cavalcanti, Maria Gadu, dentre outros

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Lenine 3SIGA VIAGEM:








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Confira também n’A Casa de Vidro:

ALQUIMISTAS DO SOM – As liberdades da música brasileira segundo Tom Zé, Lenine, Arnaldo Antunes, Arrigo Barnabé, Egberto Gismonti, Julio Medaglia, entre outros

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HÁ 75 ANOS, NASCIA JOHN LENNON (1940-1980) – ASSISTA AO DOCUMENTÁRIO COMPLETO “LENNON NYC” (LEGENDAS EM PORTUGUÊS, 1h23min)

LENNON NYC
– Um filme de Michael Epstein –
(Legendado em português)

PBS.ORG: 

LENNONYC takes an intimate look at the time Lennon, Yoko Ono and their son, Sean, spent living in New York City during the 1970s.

“New York became a part of who John and I were,” said Ms. Ono. “We couldn’t have existed the same way anywhere else.  We had a very special relationship with the city, which is why I continue to make this my home, and I think this film captures what that time was like for us very movingly.”

“The period that Lennon lived with his family in New York is perhaps the most tender and affecting phase of his life as a public figure,” said Susan Lacy, series creator and executive producer of American Masters as well as a producer of the Lennon film.  “Just as the generation that had grown up with the Beatles was getting a little older and approaching a transitional time in their lives as they started families, they saw this reflected in Lennon as he grew from being a rock star icon into a real flesh and blood person.”

“I have long been moved by the honesty and directness of John’s music,” said Michael Epstein, LENNONYC director, producer and writer.  “And, by using never-before heard studio talkback of John from this period, I think I was able to give the viewer a window into John Lennon that had not been put to film before.”

Following the breakup of the Beatles, Lennon and Ono moved to New York City in 1971, where Lennon sought to escape the mayhem of the Beatles era and focus on his family and private life.  At the same time, he created some of the most acclaimed songs and albums of his career, most of them written at his apartment at The Dakota on Manhattan’s Upper West Side, including Mind Games, Whatever Gets You Thru the Night, I’m Losing You, and Woman. He also remained highly active in the anti-war movement as well as numerous other progressive political causes.

As much as New York made an impact on Lennon and Ono by offering them an oasis of personal and creative freedom, so too did they shape the city.  At a time when New York faced record high crime, economic fallout and seemed to be on the verge of collapse, Lennon and Ono became a beloved fixture in neighborhood restaurants, at Central Park, at sports events and at political demonstrations.

Lennon and Ono also bonded with millions of their fellow New Yorkers in their experience as immigrants.  The film traces their struggle to remain in the U.S. when the Nixon administration sought to deport them, supposedly based on a narcotics violation, but which Lennon insisted was in response to his anti-war activities.

LENNONYC features never-before heard studio recordings from the Double Fantasysessions and never-before-seen outtakes from Lennon in concert and home movies that have only recently been transferred to video.  It also features exclusive interviews with Ms. Ono, who cooperated extensively with the production and offers an unprecedented level of access, as well as with artists who worked closely with Lennon during this period, including Elton John and photographer Bob Gruen (who took the iconic photograph of Lennon in front of the skyline wearing a “New York City” t-shirt).”

Siga viagem na galeria d’A Casa de Vidro:

NYC Apartamento

Pouco tempo antes de ser assassinado em 1980, Lennon e Yoko flagrados por foto na frente do apartamento onde moravam em NYC

NYC

Lennon e oko

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Yoko & Lennon nas ruas de NYC. Fotografia de Bob Gruen

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Ciclistas

John Lennon (1940 - 1980) and Yoko Ono pose on the steps of the Apple building in London, holding one of the posters that they distributed to the world's major cities as part of a peace campaign protesting against the Vietnam War. 'War Is Over, If You Want It'. (Photo by Frank Barratt/Getty Images)

John Lennon (1940 – 1980) and Yoko Ono pose on the steps of the Apple building in London, holding one of the posters that they distributed to the world’s major cities as part of a peace campaign protesting against the Vietnam War. ‘War Is Over, If You Want It’. (Photo by Frank Barratt/Getty Images)

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Peace

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Também recomendadíssimo:

OS EUA CONTRA JOHN LENNONdownload

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O CINEMA DE ALBERTO CAVALCANTI (1897 – 1982)

Alberto Cavalcanti (Rio de Janeiro, 6 de fevereiro de 1897 — Paris, 23 de agosto de 1982) foi um diretor, roteirista, produtor cinematográfico e cenógrafo brasileiro (Wikipedia).  “Filmes vanguardistas rodados na década de 1920 na França, além de experiências inovadoras nas duas décadas seguintes no cinema documental e ficcional inglês, fizeram de Alberto Cavalcanti um dos nomes mais destacados entre os cineastas de sua geração. Com o advento do cinema falado, foi contratado pelos estúdios Paramount e, posteriormente, pela produtora inglesa Ealing. No Brasil, ajuda a criar os estúdios Vera Cruz e, inconformado com o marasmo da vida cultural brasileira, volta à Europa.”  – http://makingoff.org/forum/index.php?showforum=391

LEIA:

THE GUARDIAN (UK)
Our Debt To Alberto Cavalcanti

Cavalcanti

“Nowadays, Alberto Cavalcanti is well-known among film history buffs, but otherwise more or less forgotten. This is a shame for a number of reasons, one of them being that he made a handful of the most polished, imaginative and downright enjoyable films of the 1940s. His accomplishments include Went the Day Well?, an extraordinary combination of war film and thriller; Champagne Charlie, an exuberant musical comedy; They Made Me a Fugitive, a taut and grimy thriller that rivals the best contemporary gangster films; and Nicholas Nickleby, a fine Dickens adaptation. He was also the co-creator of the supernatural portmanteau film Dead of Night, to which he contributed the much-imitated yarn about the tormented ventriloquist (Michael Redgrave) and his demonic doll. Martin Scorsese, no less, recently nominated Dead of Night as one of his top 10 scary films.

That’s a track record most directors would contemplate with intense pride, yet it’s only the most visible fraction of a long and prolific career that fell into four main stages: one in Paris, one as an itinerant director, working as far afield as East Germany and his native Brazil, and two in England. When Cavalcanti first came to Britain in the early 1930s, he was employed by John Grierson…”

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ASSISTA:

Nada Além das Horas / Rien Que Les Heures (1926)

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Na Solidão da Noite
(Dead of Night, UK, 1945)
Duração: 1h 43min
DOWNLOAD DO FILME EM TORRENT

DOWNLOAD DO FILME EM TORRENT – LEGENDAS EM PORTUGUÊS

O CANTO DO MAR (1952)

O CANTO DO MAR / THE SONG OF THE SEA (1952)

O CANTO DO MAR / THE SONG OF THE SEA (1952) – DOWNLOAD DO FILME EM TORRENT

Cavalcanti: entre a poesia e a política
Marcos Pierry

“Quando rodou O Canto do Mar, em 1953, Alberto Cavalcanti tinha três décadas de carreira. Tempo suficiente para o brasileiro já haver acumulado uma experiência que se consolidara em momentos fundamentais da cinematografia européia, das vanguardas francesas ao documentário social britânico, sem esquecer sua contribuição, nada desprezível, para importantes estúdios nos dois países. O Cavalcanti que volta ao Brasil no final dos anos 40 é, portanto, um cineasta maduro, em quem a burguesia paulista deposita seus anseios de estabelecer no país uma cultura cinematográfica numerosa em títulos e, em termos de qualidade, capaz de dialogar com a filmografia dos centros mais importantes. Surge, assim, a Vera Cruz (com estúdios em São Bernardo do Campo/SP), projeto ambicioso que naufraga com a mesma voracidade de seus empreendedores.

Ao armar base de produção em Pernambuco, para a realização de O Canto do Mar, Alberto Cavalacanti é uma grife pra lá de questionável, que entraria em franco desgaste nos dez anos seguintes, não só pela cristalização do simbólico fiasco da Vera Cruz, mas sobretudo pelo poder de combate dos chamados independentes, precursores do cinema novo (à frente, Roberto Santos e Nelson Pereira dos Santos), e principalmente dos próprios cinemanovistas, que vieram em seguida, liderados por Glauber Rocha. Lembre-se ainda que Cavalcanti mostrou-se reacionário ao se aproximar do governo Vargas.

Com um intervalo de cinqüenta anos, o longa-metragem pode ser visto sem a pesada tutela política da ocasião. Conta a história de um rapaz, Raimundo, e de sua desagregada família, que vivem à beira-mar em meio às dificuldades impostas pelo alcoolismo do pai. Zé Luís é um homem atormentado, artesão de barcos que se atirou à cachaça após um acidente em alto mar, quando ele teria machucado a cabeça. Maria, a matriarca, lavadeira, é quem dá tino aos filhos. Além de Raimundo, que ajuda nas despesas trabalhando em um armazém, há Nina e o pequeno Silvino.

Imagens e um off dão conta da penúria existente no sertão esturricado e funcionam como uma espécie de prólogo da narrativa, regida em linhas gerais por expedientes da linguagem clássica. Os retirantes se encaminham ao litoral para, de lá, seguirem ao sul do Brasil em embarcações. Raimundo quer tomar o mesmo destino. Apaixonado por Aurora, planeja uma fuga a dois, que vê frustrada em vários sentidos. Ele ainda enfrentará a profunda amargura da mãe e o fim trágico do pai, sem nada poder fazer, embora muito tenha tentado. Neste determinismo, e nas várias tomadas externas, que conferem uma autêntica cor local ao filme, O Canto do Mar esboça uma forte influência neo-realista. E consolida seu inegável valor.” – Making Off

SIMÃO, o CAÔLHO (1952)

SINOPSE: São Paulo, 1942. Um corretor de negócios malandro, Simão, o Caolho, anda às voltas com sua companheira e um bando de amigos turbulentos, sempre à espera de um lance de sorte na vida. Um de seus amigos, metido a inventor, vivia prometendo um olho suplementar para Simão. Um dia, esse olho aparece e Simão torna-se milionário, pois ele tem a propriedade de torná-lo invisível. Simão decide então entrar para a política, candidatando-se a Presidente da República. Sua trajetória acaba por acompanhar as transformações na cidade de São Paulo entre 1932 e 1950. Fonte: “Dicionário de filmes brasileiros : longa-metragem”, A. L. da Silva Neto.

DOWNLOAD DO FILME EM TORRENT

UMA DIVERTIDA CRÔNICA DA SÃO PAULO QUATROCENTONA
Celso Sabadin

Em 1951, o jornalista e escritor Galeão Coutinho morre em um acidente aéreo. Profundo observador de sua época, era conhecido por seu talento de cronista e por sua escrita ferina. Alfredo Palácios, à frente da Cinematográfica Maristela, decide então homenagear Coutinho, produzindo um filme baseado nas crônicas de um de seus personagens mais famosos, reunidas no livro Memórias de Simão, o caolho, de 1937. A adaptação foi entregue ao escritor e roteirista Miroel Silveira e ao radialista Oswaldo Moles, enquanto o diretor escolhido foi Alberto Cavalcanti, retornando ao país após uma sólida carreira no cinema europeu. O papel-título ficou com o ator cômico Mesquitinha.

Rodado em 1952, o filme se inicia ambientado 20 anos antes, em uma São Paulo ainda provinciana. É nesse cenário que conhecemos Simão, homem franzino, galanteador e dominado pela esposa Marcolina (Raquel Martins). O patético personagem é um clássico do humor brasileiro, mimetizado e reciclado em diversos programas populares da rádio e da TV. É um homem oprimido, sem liberdade nem dinheiro, e que – simbolicamente ou não – lamenta a falta que lhe faz um olho. Vê e vive pela metade. Seu sonho é que o amigo inventor Santo (Carlos Araújo) desenvolva um invento que lhe restitua a visão por inteiro. Sua válvula de escape é tomar café com os amigos no boteco da esquina, enquanto joga charme – sem sucesso – para a atendente da “charutaria”, como se dizia na época.

Para mudar, era preciso uma revolução. O que de fato acontece quando São Paulo se insurge contra Getúlio Vargas – mas, assim que as bombas estouram à porta do boteco, Simão finge que não vê e se esconde atrás do balcão. A Revolução muda São Paulo, mas não muda Simão. Um corte de 20 anos transfere a ação para 1952, período em que a capital paulista vive a euforia da urbanização, da industrialização e do enriquecimento. Assim, não é de se estranhar, nesta sequência, a influência do estilo de montagem consagrado pelo Realismo Russo, décadas antes. São cortes rápidos e enquadramentos grandiosos que visam exaltar a nova realidade majestosa que vem para ficar. A cidade se agiganta e Simão se apequena, atropelado por hordas de paulistanos apressados (sim, já naquela época) que tomam seus tradicionais cafezinhos se acotovelando nos balcões. A moça da charutaria não é mais a mesma: há uma nova funcionária, ainda mais moça, praticamente uma menina, sinalizando as novas oportunidades de emprego que se abriam na capital paulista.

Assim como a cidade, o filme também dá uma guinada e se transforma em valioso documento histórico e rica crônica social da cidade. Na vila operária onde mora Simão, observam-se as várias faces da identidade paulistana. A vizinhança grita com sotaque italianado (destaque para a atriz Nair Bello em um pequeno papel), o xaxado nordestino invade as rádios e uma moradora negra difunde a cultura religiosa africana. São Paulo se consolida como a metrópole de todos, nesse bairro que dialoga com as vilas operárias dos filmes que Mazzaropi fez na Vera Cruz, na mesma época.

Para Simão, ainda caolho, resta a esperança de explorar uma incrível “mina de matéria plástica”. E o sonho. Sempre restará o sonho. O filme estreou em 1º de dezembro de 1952 com grande sucesso de público. Recebeu o prêmio de melhor direção da Associação Brasileira de Cronistas Cinematográficos e mais três prêmios Saci: direção, ator coadjuvante (para Cláudio Barsotti) e melhor adaptação.